Obras maestras de la época napoleónica – Museo del Louvre (I)

Esta semana y volviendo al terreno de la pintura os traemos un reportaje en dos partes de grandes obras pictóricas del periodo napoleónico que se exhiben en el Museo del Louvre, y más concretamente en las salas que agrupa el pabellón Denon, llamado así en en honor de Vivant Denon, primer director del Louvre bajo el reinado de Napoleón. La mayoría de las obras que os presentamos se hallan en el mismo Salón Denon, que fue creado en 1863 como museo imperial, y decorado en los colores imperiales, rojo y oro, por el pintor Alexandre Dominique Denuelle. 

En esta primera entrega os mostramos al comienzo dos obras de referencia del pintor Antoine-Jean Gros y repetidas hasta la saciedad en multitud de publicaciones: \”Bonaparte visitando las víctimas de la plaga en Jaffa\” y \”Napoleón en el campo de batalla de Eylau\”, seguidas por otras obras de referencia suyas o de su maestro, Jacques Louis David, o de otros como Prud\’hon, y varios retratos que denotan las tendencias artísticas de la época o en el caso de Napoleón, toda la carga propagandística ensalzando la figura del líder y de sus campañas.
La mayoría de las descripciones son de la misma página web en inglés del Museo del Louvre, ya que aparte de la descripción del cuadro o del motivo siempre es interesante conocer el momento histórico o las condiciones de realización de dichas obras, que nos dan un enfoque complementario de la función de dichos artistas dentro del esquema de la sociedad y la esfera del poder napoleónicos.  

OBRAS SELECCIONADAS

※ El pintor Antoine-Jean Gros describe el coraje del general Bonaparte al visitar a los soldados afectados por la plaga en Jaffa, Siria, en 1799. Napoleón está tocando a una de las víctimas de la plaga, como Cristo hizo con un leproso. Este enorme lienzo, muy aclamado en el Salón de 1804, fue la primera obra maestra de la pintura napoleónica. Aunque los heroicos desnudos  recuerdan la obra de David, el maestro de Gros, los colores cálidos, el claroscuro y la decoración oriental presagian la pintura romántica.
\”Bonaparte visitando las víctimas de la plaga en Jaffa, 11 de marzo de 1799\” (1804), óleo sobre lienzo, 5,23 x 7,15 m. 


El coraje del general en jefe.

La imagen muestra al general Bonaparte visitando a las tropas francesas golpeadas por la plaga en el patio de una mezquita de Jaffa que se está utilizando como un hospital militar. La escena tuvo lugar en marzo de 1799 durante la campaña de Siria. Bonaparte, en un rayo de luz del día, ignorando al médico que intenta disuadirlo, toca la pústula de una de las víctimas de la plaga con la mano desnuda. Uno de los oficiales mirando la escena con un pañuelo sobre su boca. A la izquierda, dos árabes están repartiendo pan a los enfermos. A la derecha, un soldado ciego está tratando de acercarse al general en jefe. En el primer plano, en las sombras, los moribundos son demasiado débiles para volverse hacia su líder. El pintor da a entender que la virtud y el coraje de Bonaparte justifican los horrores de la guerra. Gros le ha dado el aura luminosa y los gestos de Cristo sanando a los leprosos como en las pinturas religiosas.


La primera obra maestra de la pintura de la historia napoleónica.

Cuando encargó esta pintura, Bonaparte, quien se había convertido en Primer Cónsul, quiso aclarar las acusaciones de la prensa británica, quien había dicho que quería ejecutar a los afectados por la plaga durante su retiro a El Cairo. La pintura, presentada en el Salón de 1804 poco antes de su coronación, un momento especialmente oportuno para Bonaparte, es la primera obra maestra de la pintura de la historia napoleónica. Bonaparte y luego Napoleón el emperador, alejaron a los pintores de la época del mundo clásico y en su lugar pintaron las batallas del momento y la pompa imperiales. Más tarde, Gros pintó a Napoleón en el campo de batalla de Eylau (1808, Louvre), una obra muy similar a ésta. La pintura tuvo una gran influencia en los pintores de la próxima generación, Géricault y Delacroix, especialmente cuando este último pintó La masacre en Chios (1824, Louvre).


En el umbral del romanticismo.

El cuadro es neoclásico en su tema, la representación de un ejemplo de virtud, y ciertos aspectos formales. La escena está representada en un escenario como los escenarios de arcadas reminiscentes de El juramento de los Horacios, de David (1784, Louvre). El pintor ha dado gran importancia al centro de la pintura, donde ha colocado a Bonaparte, y también ha incluido varios heroicos desnudos. Pero algunos aspectos de este tratamiento han roto con el arte de su maestro David y anuncian el próximo romanticismo. El pintor enfatiza el sufrimiento de los afectados por la plaga, inculcando un sentimiento de horror y de lo sublime en el espectador. La composición se divide en áreas contrastantes de luz y sombra. La luz y los colores son cálidos y recuerdan las de los maestros venecianos y Rubens. Gros, un precursor de los orientalistas, también se tomó la molestia de representar los tipos de cara, vestimenta y arquitectura orientales.
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※ Antoine-Jean Gros celebra la compasión de Napoleón I cuando visitó el campo de batalla de Eylau el día después de la carnicería que tuvo lugar allí en febrero de 1807. Aunque cumple con las instrucciones oficiales, Gros describe la escena con un grado de realismo nunca conseguido en otra pintura de la historia napoleónica. El ojo se siente inmediatamente atraído hacia los enormes cuerpos en primer plano. Aquí, rompe con el neoclasicismo de su maestro David.
\”Napoleón en el campo de batalla de Eylau, 9 de febrero de 1807) (1808), óleo sobre lienzo, 5,21 x 7,84 m.


El compasivo emperador

La imagen muestra a Napoleón I visitando el campo de batalla de Eylau en Prusia oriental el 9 de febrero de 1807, el día después de la sangrienta victoria del ejército francés sobre los rusos y prusianos. El Emperador, en un caballo de color claro y rodeado de médicos y mariscales, observa la escena con gran compasión, con el brazo extendido como si lastimara a los heridos. Un soldado lituano, apoyado en el cirujano de Percy, \”César, si quieres que viva, cúrame. Te serviré fielmente como lo hice con Alejandro\”. Otro soldado enemigo abraza la pierna del emperador. El mariscal Murat en su caballo cabalgando al lado de Napoleón parece una personificación de la guerra. En el primer plano hay un montón de soldados muertos medio cubiertos de nieve y uno de los heridos, que se había vuelto loco, luchando. El horror de la escena se ve acentuado por el paisaje nevado bañado por una luz tenue.

La guerra hecha impopular

Gros pintó este lienzo durante el invierno de 1807-08, después de ganar el concurso para la comisión. Vivant Denon, el director del Museo Napoleón, estipuló la mayor parte del contenido de la pintura: el momento a representar, el número de \”extras\”, los cadáveres en primer plano y el formato de gran tamaño. El realismo de las figuras en primer plano, sin embargo, sin duda superó sus recomendaciones. Gros expuso la imagen en el Salón 1808. Los espías de la policía presentes en el Salón sospecharon de la pintura, que hacía la guerra impopular. Sin embargo, Napoleón apreció el trabajo y en la ceremonia de premios decoró al pintor con su propia cruz de la Legión de Honor.


Un realismo sin igual en la pintura de la historia napoleónica.

La composición del lienzo recuerda a una de sus pinturas anteriores, Napoleón Bonaparte visitando a la plaga en Jaffa (1804, Louvre). Pero su realismo tiene mayor brutalidad aquí, y no sería igualado por ninguna otra pintura de la historia napoleónica. El primer plano lleno de cadáveres adquiere más importancia que la pintura de Jaffa y fija la atención. La sensación de horror y lo sublime en la vista del tamaño del mundo. Algunas de las figuras están cortadas por el borde de la imagen, como si el lienzo fuera un fragmento de una escena de la vida real. 
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※ En esta pintura presentada en el del Salón de 1814, el pintor y litógrafo romántico francés Théodore Géricault (1791–1824) decidió representar una visión de la batalla diferente a las vistas generalmente realizadas de enteras batallas campales o de generales famosos que luchaban valientemente.
\”Cuirassier blessé quittant le feu\” (1814), oleo sobre lienzo, 3,58 x 2,94 m. 

Una pintura diferente

El coracero herido (en francés: Le Cuirassier blessé quittant le feu) es una pintura al óleo de un solitario soldado anónimo que desciende herido con su caballo. Exhibida la obra apenas unos meses después de la caída del poder de Napoleón, esta pintura de tamaño natural simboliza las derrotas francesas y el fracaso de Napoleón. Aunque la pintura se llama El coracero herido, no hay heridas visibles en el soldado. Además, aunque Géricault generalmente creó varios borradores antes de decidirse por un diseño final, no parece haber ninguna pintura suya que pueda considerarse precursora de esta pintura. Las dos copias conocidas de la pintura están en el Museo del Louvre y en el Museo de Brooklyn.
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El retrato de Goya de Ferdinand Guillemardet, embajador de Francia en España de 1798 a 1800, refleja la confianza en sí misma de la joven República que representaba el modelo. Los colores de Francia, que aparecen en la bufanda y el sombrero de caballero del embajador, permitieron al artista utilizar una paleta brillante.
Ferdinand Guillemardet (1799), oleo sobre lienzo, 1,86 x 1,24 m
El embajador de una república poderosa.

El embajador de Francia en España, Ferdinand Guillemardet (1765-1809), está sentado en una postura relajada. Volviendo la cara hacia el espectador, luce ojos vivos e inteligentes. Los colores de Francia destacan sobre la mesa y su pluma sobre la mesa, acostada en la mesa detrás de él. La figura encarna una república poderosa, segura de sí misma. Talleyrand, el ex obispo de Francia, nombró a Ferdinand Guillemardet embajador de Francia en España en 1798. Guillemardet también llegó de Autun, donde fue médico y alcalde, y luego eligió para representar a la ciudad en la Convención. En 1800, fue llamado a Francia y se convirtió en prefecto. Pero un destino trágico le sucedió al embajador: se volvió loco y murió en 1809.

La obra favorita de Goya.

Las circunstancias que rodearon la puesta en escena de este retrato de un francés por parte de Goya solo pueden ser supuestas. El embajador estaba cerca de un ministro, Urquijo, y un político, Jovellanos, que eran francófilos ilustrados y jefes del pintor. Debieron haber persuadido a Ferdinand Guillemardet para que Goya, el pintor de la corte, hiciera su retrato desde 1788. Esta obra se exhibió en julio de 1799 en la Academia de San Fernando antes de que Guillemardet regresara a Francia. Su hijo, quien, por cierto, era amigo íntimo de Delacroix, lo legó al Louvre. Se dice que Goya comentó que era el mejor trabajo que había hecho. Sin embargo, pintó muchos retratos entre 1794 y 1808, incluidas varias obras maestras que revivieron la tradición fundada por Velázquez, en particular La familia de Carlos IV (Madrid, Prado). Goya fue un pintor religioso e histórico, y un brillante ilustrador, especialmente en estos años, cuando realizó los grabados en la serie Caprichos.

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※ Presentado en el Salón de 1812, este retrato ecuestre de Antoine-Jean Gros recuerda a otro encargo anterior de Joachim Murat, en 1806: La Batalla de Aboukir, 25 de julio de 1799, pintura monumental (5.78 m x 9, 68 m, Palacio de Versalles), que sigue siendo una de las más grandes obras maestras del orientalismo en el Imperio.
\”Retrato ecuestre de Joachim Murat\” (1811), oleo sobre lienzo, 3,43 x 2,38 m.
El antecedente de Aboukir
La escena de La batalla de Aboukir destaca un glorioso episodio en el pasado militar del Rey de Nápoles, cuando Murat lanzó su carga contra la caballería otomana que protegía el fuerte del istmo de la Bahía de Aboukir. El propio Gros describe la escena como una operación de salvación, en su descripción de la pintura para el Salón de 1806: Murat se lanza contra los otomanos que habían venido \”a cortar las cabezas de los franceses que habían permanecido muertos o heridos en el campo de batalla\”. La pintura no tenía buena prensa, pero parece que a Murat le gustó lo suficiente como para preguntarle a Gros, cuando ordenó cinco años después un retrato oficial como Rey de Nápoles, para recordar el brillante episodio de su carrera como general, hace doce años. La piel de un tigre (con ojos de rubí, según las palabras de un sajón en 1813) en la que monta \”a lo mameluco\”, su adopción de la espada turca, la postura de su caballo listo para saltar, el polvo debajo. Sus cascos atestiguan su impaciencia, en una cabalgata que hizo que la reputación de Murat se hiciera eco de Aboukir.
El cuñado, duque y rey.
Murat ha experimentado una evolución impresionante desde esta batalla: se convirtió en el cuñado de Napoleón por su matrimonio con Caroline Bonaparte unos meses después de Aboukir (18 de enero de 1800), el hijo de posadero de Lot (Occitania, Francia) pudo escalar la jerarquía imperial, a fuerza de valentía en los campos de batalla. Gros ilustra esta cualidad varias veces en composiciones imponentes como La batalla de las pirámides o Napoleón en el campo de batalla de Eylau (Murat hizo su famosa carga durante la batalla, a pesar de la fiebre que le golpeó en ese momento), ambos conservados hoy en el Louvre. Gros nunca se olvida de representar a uno de sus más grandes mecenas en estos encargos de Bonaparte y luego el Emperador, que pretende edificar a los franceses sobre los logros del Imperio y el ilustre ejército  también está inmortalizado.
Cuando Murat le ordenó este retrato a Gros en 1811, estaba en el apogeo de su gloria. Su progreso fue mucho más allá de la escala militar: fue el Gran Duque de Cleves y Berg y ahora era el rey de Nápoles desde agosto de 1808. Así, el pintor decide representarlo en el proceso de supervisión de maniobras militares cerca de Nápoles; la presencia en el fondo de la pintura del Vesubio certifica el lugar geográfico, mientras que el cambio de uniforme entre los eventos de Aboukir y los de 1811 confirma las nuevas funciones de Murat: el uniforme relativamente sobrio de Aboukir (Murat se autoriza ya las fantasías y dorados) dio paso a un segundo uniforme de coronel de caballería ligera de la Guardia Imperial. A partir de ahora, el rey de Nápoles se permite la exuberancia: su sombrero ha sido personalizado (carece de un visor frontal) y los ajustados pantalones de invierno que lleva son los de un ayudante de campo. Un retrato de 1808 del rey de Nápoles encargado por el barón Gérard muestra una notable diferencia con la de 1811 de Gros: la Legión de Honor precede, aquí, la gran placa de la orden napolitana: la decoración francesa encuentra el primer lugar en la jerarquía de las medallas … Si el contexto de esta pintura es menos violento que el de Aboukir, sigue siendo guerrero y los colores brillantes del uniforme vienen a despertar la estatura más bien clásica del rey ecuestre.

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※ El general François Fournier-Sarloveze (1773-1827) fue probablemente el oficial más atrevido, rebelde e impredecible que sirvió a Napoleón. Apodado por los españoles El Demonio, la disciplina parecía ser un anatema para él, y las reglas y, de hecho, los mandatos, debían despreciarse o ignorarse, si los consideraba innecesarios o problemáticos. Se convirtió en un maestro en todas las armas y en un notorio y temido duelista. No es de desdeñar que se deleitara aún más con este pasatiempo porque sabía que Napoleón los desaprobaba enérgicamente y castigaba seriamente a cualquiera que encontrara en un duelo.

\”General Comte François Fournier-Sarlovèze\” (1812), óleo sobre lienzo, 2,52 x 1,74 m.
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※ Elegido Papa en 1800, Pío VII (1742-1823) aceptó firmar el Concordato de 1801 que restauraba la paz religiosa en Francia. Jacques Louis David pintó este retrato en Paris, donde el Papa había ido para asistir a la coronación del emperador Napoleón I, por un encargo de este último. \”¡Como Rafael y Tiziano\”, dijo el artista, \”he pintado a un Emperador y a un Papa!\”
\”Retrato de Pío VII\” (1805), óleo sobre tabla, 
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※ Juliette Recamier, la esposa de un banquero parisino, fue una de las personas más famosas en la sociedad de su tiempo. Este retrato, que muestra su vestimenta al \”estilo antiguo\” y que está rodeado de muebles pompeyanos en una imagen de espacio por lo demás desnudo, fue extremadamente vanguardista para el año 1800. No está claro exactamente por qué no se terminó nunca. antes de que su vibrante trabajo de pincel y sus fondo fueran \”glaseados\” con colores translúcidos.
\”Retrato de Madame Récamier, nacida Bernard (1777-1849)\” (1800), óleo sobre tela (inacabado),  1,74 x 2,44 m 

Un ideal de elegancia femenina.

Madame Recamier, elegantemente reclinada en su rostro, está vestida con un estilo antiguo y está descalza. La sala está vacía, excepto por el sofá de estilo antiguo, el taburete y el candelabro. Se la ve desde cierta distancia, por lo que es un poco menos, pero este es un retrato de una persona con una elegancia femenina ideal. Madame Recamier (1777-1849), entonces con solo veintitrés años, fue una de las mujeres más admiradas de su tiempo. Hija de un notario, personificó la ascensión social de la nueva élite posrevolucionaria. Su esposo, mayor que ella, se había convertido en uno de los principales patrocinadores financieros del Primer Cónsul, Napoleón Bonaparte. En su mansión, restaurada por el arquitecto Percier y decorada por el ebanista Jacob, la pareja entretuvo a muchos escritores, algunos de los cuales, como Benjamin Constant o Chateaubriand, se enamoraron apasionadamente de Madame Recamier.

Uno de los caprichos de David

Encargado por Madame Recamier en 1800, la imagen quedó sin terminar por razones desconocidas. David Recamier, quien pensó que David trabajaba demasiado lento, le encargó a uno de sus alumnos que pintara su retrato. Molesto por esto, David le dijo a su modelo: \”Las mujeres tienen sus caprichos, y también los artistas; permítanme satisfacer el mío manteniendo este retrato\”. La pintura permaneció en su estudio, sin terminar, y probablemente no fue vista por el público hasta que ingresó en el Louvre en 1826. En 1864, Theophile Gautier escribió sobre \”la indescriptible atracción de Madame Recamier, como la poesía de lo desconocido\”.

La estética de lo inacabado.

Uno de los aspectos innovadores de la obra es un formato horizontal, inusual para un retrato, y habitualmente reservado para pinturas de historia. El espacio vacío alrededor de la figura destaca el elegante arabesco del cuerpo reclinado de Madame Recamier. Su pose antigua, la decoración desnuda y el vestido ligero personifican los ideales neoclásicos. La clara armonía del conjunto, debida al vestido blanco de Juliette Recamier, se ve acentuada por los tonos cálidos de los muebles. Solo la modelo está terminada, y David todavía no ha agregado toques de luz al empaste de su vestido. Los accesorios, las paredes y el piso están diseñados con pinceladas vibrantes, con la capa inferior blanca que todavía se muestra en algunos lugares. El estado inacabado del lienzo le da a la imagen una apariencia misteriosa y poética, sin duda muy diferente a la del retrato final que David tenía en mente. Después de los retratos minuciosamente detallados que pintó durante el Antiguo Régimen, varios de los retratos de David después de la Revolución tienen fondos incompletos (Madame Trudaine, Musée du Louvre).
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※ La viuda del general de Beauharnais, nacida en Martinica, Josephine Tascher, de Pagerie, se casó con Napoleón Bonaparte en 1796. Incapaz de proporcionar hijos al emperador, fue repudiada en 1809. Aquí Prud\’hon la muestra en los terrenos de La Malmaison, una año después de la coronación de Napoleón. Esta imagen de ensueño se encuentra entre los mejores ejemplos del retrato al aire libre en el que sobresalieron los pintores ingleses de la época.
\”L\’Impératrice Joséphine (1763 – 1814)\” (1805), óleo sobre lienzo, 2,44 x 1,79 m. 

El pintor y la familia del emperador.

Prud\’hon fue el pintor favorito de la familiar imperial y el profesor de dibujo de la emperatriz. En este trabajo, los principios del retrato neoclásico se transforman y el uso de un entorno paisajístico, a la manera inglesa, es la fuente de una atmósfera románticamente melancólica.

Soñadoramente melancólico

A punto de ser repudiada, la emperatriz Josefina no intenta alzar la vista, que ella ignora, perdida en sus pensamientos en un asiento al aire libre. Su pose melancólica y el escenario del bosque poético esperan las pasiones románticas de un Chateaubriand.

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※ La modelo, Christine Bonaparte (1771-1800), la primera mujer de Luciano Bonaparte (hermano del emperador Napoleón I), murió de pleuresía a la edad de 28 años. En este retrato de pie de gran tamaño realizado después de su muerte, Gros abandona la formalidad en favor de un sentido de melancolía a la fragilidad de la vida, simbolizada por la rosa que es llevada por la corriente del arroyo.
\”Cristina Bonaparte, nacida Boyer\”  (1800-1801), óleo sobre lienzo, 2,14 x 1,34 m
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※ Después de haber servido en el gobierno revolucionario durante el Reinado del Terror, Jacques Louis David (1748-1825) fue arrestado en agosto de 1794 y enviado a prisión, donde empezó a trabajar en este autorretrato. Después de varios años de intensa actividad política, expresó la intención de consagrarse de nuevo plenamente a su arte.

\”Retrato del artista\” (1794), óleo sobre lienzo (inacabado), 0,81 x 0,64 m

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Fuentes:

– https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/napoleon-bonaparte-visiting-plague-stricken-jaffa
– https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/napoleon-battlefield-eylau
– https://en.wikipedia.org/wiki/The_Wounded_Cuirassier
– https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/ferdinand-guillemardet-1765-1809
– https://www.napoleon.org/histoire-des-2-empires/tableaux/portrait-equestre-de-joachim-murat/ – Marie de Bruchard, septiembre de 2015
– https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/madame-recamier
– https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/empress-josephine-1763-1814
– https://www.louvre.fr/en/rooms/salle-daru-neoclassicism-france
– Paneles informadores de las obras en el museo del Louvre

Imágenes:

– Fotos propias del autor.

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